¿Era mejor la música de antes? Hablemos de marketing musical

¿Era mejor la música de antes?

Antes de responder a esta pregunta, quiero contaros cómo he llegado hasta ella. Soy amante del rock y del metal, aunque también escucho indie, pop, música clásica y bastantes cosas que terminan escapando de cualquier etiqueta. Tengo un gusto bastante ecléctico y hablo aquí como un aficionado más, desde mi experiencia personal con la música y desde todo lo que he aprendido trabajando durante años en marketing digital.

Mi respuesta corta sería que cada época ha tenido música extraordinaria, música olvidable y fórmulas creadas para funcionar comercialmente. Lo que sí ha cambiado mucho es el entorno. Han cambiado el soporte, la forma de descubrir una canción, el tiempo que le concedemos, las herramientas de producción y las reglas que determinan qué llega hasta nosotros.

Durante décadas el marketing ayudó a llevar la música hasta el público. Hoy las plataformas, las métricas y los algoritmos participan también en la forma que adopta esa música. Esa diferencia me parece mucho más interesante que organizar una competición entre generaciones.

La música cambió al cambiar su forma de llegar hasta nosotros

Del vinilo y el casete al catálogo musical infinito

Durante buena parte del siglo XX, la industria musical se organizó alrededor de objetos. El vinilo, la cinta de casete y el CD contenían una obra y también le daban una forma. Había una portada, un libreto, un orden de canciones y una duración condicionada por el soporte. El lanzamiento llegaba a través de la radio, la prensa musical, las tiendas, los conciertos, los videoclips y las recomendaciones entre amigos.

El marketing musical tenía que conseguir que descubrieras un artista, que fueras a una tienda y que eligieras su disco entre muchas opciones. La compra representaba una pequeña apuesta. Habías destinado dinero, tiempo y atención a ese álbum, de modo que lo habitual era escucharlo varias veces. Algunas canciones entraban a la primera y otras necesitaban días para encontrar su sitio.

El streaming como forma dominante de consumo musical

Después llegaron los archivos digitales, las descargas, iTunes, YouTube y finalmente el streaming como forma dominante de consumo. En 2019 el streaming ya superaba la mitad de los ingresos mundiales de la música grabada. Según el Global Music Report 2026 de IFPI, en 2025 alcanzó el 69,6 % de los ingresos globales y superó los 22.000 millones de dólares.

La transformación ha sido enorme. Ahora llevamos millones de canciones en el bolsillo, podemos descubrir a una banda de cualquier país en segundos y un artista independiente dispone de vías de distribución que antes eran inaccesibles. La música circula con una facilidad extraordinaria y el público tiene mucha más capacidad para explorar.

Esa abundancia también cambia el valor percibido de cada elección. Cuando todo está disponible, abandonar una canción cuesta un movimiento del dedo. La siguiente propuesta ya está preparada. El paso del catálogo limitado al catálogo prácticamente infinito ha reducido la fricción y ha acelerado el consumo.

El valor del formato físico dentro de la experiencia

Resulta significativo que, mientras el streaming continúa creciendo, los formatos físicos hayan recuperado parte de su atractivo. IFPI señala que sus ingresos aumentaron un 8 % en 2025, impulsados por una subida del 13,7 % del vinilo. El vinilo encadenaba así diecinueve años de crecimiento. Una parte del público sigue buscando una experiencia tangible, una portada, una colección y un vínculo material con la música que le importa.

La evolución del marketing musical puede resumirse como un cambio de escasez a abundancia y de distribución a disponibilidad permanente. Antes había que conseguir espacio en tiendas, radios y medios. Después hubo que aparecer en buscadores, plataformas y playlists. Ahora también hay que entrar en recomendaciones algorítmicas, vídeos verticales, tendencias y conversaciones que duran muy poco.

De escuchar discos a consumir canciones

Avalancha durante mi etapa en el instituto

Mi relación con Avalancha, de Héroes del Silencio, explica muy bien la diferencia. El disco se publicó el 18 de septiembre de 1995, cinco días antes de que yo cumpliera dieciséis años. Por edad y siguiendo el recorrido escolar que hice sin repetir curso, aquello coincidió con tercero de BUP, durante el curso 1995-1996.

Quizá lo compré al salir o algo después. El detalle exacto se ha borrado, pero recuerdo perfectamente lo importante. Aquel CD viajó conmigo durante el instituto y formó parte de mi vida durante meses. Lo llevaba en mi reproductor portátil de CD, aquel aparato al que casi todos llamábamos Discman, después de haber pasado antes por el Walkman y las cintas de casete.

Lo escuché hasta la saciedad. Conocía el orden de las canciones, anticipaba el comienzo de la siguiente y terminaba relacionando cada tema con momentos concretos. El disco ocupaba espacio físico, viajaba en la mochila y exigía una decisión previa. Había que elegir qué CD llevar y normalmente ese disco se quedaba contigo durante todo el trayecto.

Repetición, familiaridad y recuerdos autobiográficos

La psicología ayuda a entender por qué esa repetición podía reforzar el vínculo. La familiaridad suele aumentar inicialmente el gusto por una pieza musical, un fenómeno conocido como efecto de mera exposición. Una revisión sobre la experiencia estética y las cualidades sensoriales de la música describe una curva en forma de U invertida. Las primeras repeticiones pueden elevar la preferencia y, cuando se supera cierto punto, aparece el cansancio.

También sabemos que la música activa recuerdos autobiográficos con una intensidad especial. El trabajo de Petr Janata sobre la arquitectura neuronal de los recuerdos autobiográficos evocados por la música estudió la relación entre canciones, memoria, emoción y procesos vinculados al propio yo. Por eso una canción de la adolescencia puede devolvernos de golpe a un lugar, una persona o una versión anterior de nosotros mismos.

El soporte físico añadía otro componente. En comportamiento del consumidor, Russell Belk desarrolló el concepto de las posesiones como extensión del yo. Aquello que poseemos puede contribuir a nuestra identidad y reflejarla. Un CD firmado, una entrada, una camiseta o una colección de discos dicen algo de quien los guarda. Una canción alquilada dentro de un catálogo digital establece una relación distinta.

El formato, por sí solo, tampoco fabricaba apego. La repetición, el contexto vital, el esfuerzo de elección, la calidad de la obra y el tiempo compartido actuaban juntos. El CD facilitaba ese ritual porque limitaba las alternativas inmediatas. El streaming facilita otro tipo de experiencia, marcada por el acceso, el descubrimiento y la movilidad.

La canción como nueva unidad de consumo

Hoy podemos escuchar una canción porque aparece en un meme, acompaña un vídeo de quince segundos o entra automáticamente después de otra. Quizá nos guste, la guardemos y sigamos adelante. El contacto puede ser enorme en alcance y pequeño en profundidad. Una impresión rápida ayuda a reconocer el tema, aunque el reconocimiento y el apego representan niveles diferentes de relación.

Este cambio afecta a la propia unidad de consumo. El álbum proponía un recorrido y la canción actual compite de manera individual. Incluso dentro de un disco recién publicado, cada tema se enfrenta por separado a la posibilidad de ser saltado, añadido a una playlist o utilizado como fragmento en redes sociales.

La plataforma también entra en el estudio

Aquí aparece una de las conexiones más importantes entre música y marketing. Una plataforma distribuye, recomienda, mide y ordena la atención. Esas cuatro funciones terminan enviando señales a artistas, productores y discográficas sobre aquello que conviene crear, lanzar y promocionar.

La atención musical también se mide

Spotify considera una reproducción cuando una persona escucha al menos treinta segundos de una canción, tal como explica en su página oficial sobre cómo se contabilizan los streams. Esa regla tiene una función técnica y económica, pero también crea un umbral visible. Conseguir que el oyente llegue a ese segundo treinta adquiere valor.

La influencia va mucho más allá de una cifra. La atención de los primeros segundos, la duración de las introducciones, el momento en que aparece la voz, la llegada del estribillo y la duración total del tema pueden analizarse mediante datos. Las decisiones creativas empiezan a convivir con tasas de salto, finalización, repetición, guardado y entrada en playlists.

La investigación académica ya estudia este fenómeno como una transformación del proceso creativo. Un artículo publicado en Popular Music define las plataformas como infraestructuras que coconstruyen la producción, la distribución y la recepción musical. Artistas y productores pueden optimizar su trabajo según lo que imaginan que el algoritmo clasificará, recomendará o premiará.

TikTok, viralidad y comunidades musicales

TikTok y el vídeo corto añaden otra capa. Una parte de la estrategia se concentra en encontrar el fragmento capaz de funcionar como sonido, baile, meme o fondo emocional. Estudios recientes sobre creadores musicales y plataformas de vídeo breve muestran que la viralidad tiene una vida cada vez más corta y que muchos artistas buscan convertir esa exposición en una comunidad con más recorrido. El trabajo sobre los límites de la viralidad resulta especialmente interesante porque sitúa la sostenibilidad de una carrera por encima del pico aislado.

Esta evolución tiene ventajas claras. Un grupo pequeño puede encontrar oyentes en varios países sin esperar a que una gran discográfica le abra todas las puertas. Puede conocer a su público, probar contenidos, organizar una gira a partir de datos geográficos, vender directamente y mantener una conversación diaria con quienes le escuchan.

Cuando las métricas orientan el producto musical

La dificultad aparece cuando la herramienta termina marcando el objetivo. Una métrica sirve para interpretar una parte del comportamiento. Cuando se convierte en el criterio dominante, toda la propuesta empieza a orientarse hacia aquello que produce una respuesta rápida y medible.

En marketing ocurre lo mismo. Llevar un producto o un servicio hasta las personas que pueden necesitarlo exige comprender a esas personas y construir un recorrido para llegar hasta ellas. El crecimiento pierde fuerza cuando el producto se modifica continuamente para gustar al mayor número posible de personas. En música, una identidad definida puede reunir a un público concreto durante años. Una suma de decisiones pensadas para captar segundos puede reunir muchas reproducciones y dejar un recuerdo más débil. Esta conexión entre públicos, necesidades e identidad también está presente al definir un buyer persona dentro de una estrategia de marketing.

La plataforma se ha convertido así en parte del mercado y también en parte del producto. Influye en la portada, el calendario de lanzamientos, la duración, la colaboración entre artistas, la promoción e incluso la composición. Esta es una de las grandes diferencias de la música actual y una de las cuestiones que cualquier estrategia de marketing musical debería comprender.

Voces ultraprocesadas y música cada vez más parecida

En alimentación escuchamos continuamente recomendaciones para reducir los productos ultraprocesados. En música sucede algo curioso. Una gran parte de las voces que consumimos ha pasado por tantas capas de edición que podríamos hablar, con cierta licencia, de voces ultraprocesadas.

Cómo se procesa una voz en una producción musical

Una producción vocal moderna puede comenzar seleccionando y uniendo las mejores partes de varias tomas. Después se eliminan ruidos y respiraciones, se corrigen el tono y el tiempo, se ajusta la ecualización, se comprime la dinámica, se controlan las sibilancias, se añaden saturación, dobles, armonías, reverberación y delay. Finalmente, la voz vuelve a integrarse en la mezcla y en el mastering general.

Herramientas como Auto-Tune analizan la altura de la señal vocal y pueden desplazarla hacia la nota adecuada dentro de una escala. Melodyne permite intervenir sobre afinación, tiempo, vibrato, fraseo, formantes y dinámica. Suites como Nectar incorporan corrección tonal, de-essing, control de respiraciones y capas vocales. Una cadena vocal básica puede reunir corrección de tono, compresión, ecualización, de-esser, delay, reverberación y otros efectos.

Todas estas herramientas pueden mejorar una interpretación, resolver problemas técnicos y abrir posibilidades creativas. Auto-Tune también puede utilizarse como efecto estético evidente. La cuestión relevante está en la intensidad, la intención y el resultado. El procesamiento puede reforzar una personalidad o suavizarla hasta acercarla a un estándar reconocible.

Procesamiento, identidad y homogeneización musical

Avalancha también fue un disco procesado y producido con enorme cuidado. Bob Ezrin asumió la producción y Andrew Jackson la ingeniería. Las grabaciones comerciales de los años noventa ya utilizaban edición, ecualización, compresión, efectos, mezcla y mastering. Aquella experiencia que recuerdo surgió de una obra con una producción potente, un soporte concreto, una escucha repetida y una identidad sonora muy marcada.

La conversación interesante empieza, por tanto, en la diferencia entre producción y uniformidad. Un estudio publicado en Scientific Reports analizó alrededor de 500.000 canciones populares entre 1955 y 2010. Sus autores encontraron una restricción progresiva de las transiciones de altura, una homogeneización de la paleta tímbrica y un aumento del volumen. El trabajo aporta datos para una sensación que muchos oyentes describen de manera intuitiva, aunque su periodo y su metodología aconsejan evitar generalizaciones sobre toda la música actual.

El mainstream siempre ha buscado fórmulas. Las radios, las listas de ventas y las discográficas también generaban incentivos para repetir aquello que funcionaba. El algoritmo añade velocidad y precisión. Ahora la reacción se mide casi inmediatamente y puede replicarse a escala mundial. Un tipo de voz, una duración, un ritmo o una estructura que consigue resultados se convierte enseguida en referencia para nuevas producciones.

Una dieta musical más variada

Aquí la analogía con la alimentación permite explicar otro aspecto. Una dieta variada aporta sustratos diferentes a nuestra microbiota. El American Gut Project, con más de 10.000 participantes, observó que quienes declaraban consumir más de treinta tipos de plantas por semana presentaban una microbiota más diversa que quienes consumían diez o menos. Un ensayo publicado en Cell también encontró que una dieta rica en alimentos fermentados aumentó la diversidad de la microbiota y redujo marcadores inflamatorios.

La ciencia permite sostener la relación entre variedad alimentaria y diversidad microbiana. La aparición de intolerancias alimentarias depende de muchos factores y la evidencia actual aconseja prudencia antes de atribuirla directamente a una dieta repetitiva. Para nuestra comparación basta con una idea más sencilla. La variedad alimenta ecosistemas más diversos.

Esta relación entre alimentación, hábitos, cuerpo y estrategia también da para otra reflexión que desarrollaré más adelante en un artículo sobre marketing y fitness. Ambos campos están llenos de procesos acumulativos, adaptaciones y promesas rápidas que conviene observar con perspectiva.

Una dieta musical variada también ensancha el oído. Escuchar rock, metal, pop, indie, clásica, jazz, electrónica, flamenco o músicas de otros países nos expone a estructuras, timbres, ritmos y formas de interpretar diferentes. Esa diversidad mejora nuestra capacidad para apreciar matices y crea más caminos para descubrir artistas.

Los sistemas de recomendación podrían ser grandes aliados de esa diversidad. Tienen acceso a un catálogo inmenso y pueden conectar nichos muy pequeños con oyentes adecuados. Al mismo tiempo, su tendencia a usar el comportamiento anterior para predecir la siguiente elección puede mantenernos dentro de una zona cómoda. La personalización funciona mejor cuando combina familiaridad y descubrimiento, igual que una buena alimentación combina continuidad y variedad.

Llegar a todo el mundo puede dejar menos huella

La música popular vive una paradoja. Nunca había tenido tanta capacidad para llegar tan lejos y nunca había competido con tantos estímulos al mismo tiempo. Una canción puede recorrer el mundo durante una semana, aparecer en millones de vídeos y desaparecer del centro de la conversación con la misma rapidez.

Alcance, atención, recuerdo y fidelidad

Desde el marketing, alcance, atención, recuerdo, comunidad y fidelidad representan resultados diferentes. Una reproducción indica contacto. Una escucha completa indica más interés. Guardar una canción añade intención. Comprar una entrada, adquirir un vinilo, llevar una camiseta o seguir a una banda durante años expresa una relación mucho más profunda.

Confundir estos niveles lleva a estrategias que celebran cifras grandes y construyen poco patrimonio de marca. La industria musical necesita alcance para descubrir públicos, pero una carrera se sostiene con identidad, repertorio, relato, comunidad y experiencias compartidas. El objetivo estratégico consiste en convertir atención prestada en una relación propia.

Del oyente a una comunidad alrededor de la música

Esta idea conecta con lo que expliqué después de mi experiencia en Viveiro. En el artículo Un evento cultural concentra decisiones analicé cómo el Resurrection Fest reúne durante unos días búsquedas, desplazamientos, compras, prioridades, recuerdos y recomendaciones. La música actúa como punto de unión y alrededor de ella se construye una experiencia completa.

Un festival demuestra algo que el streaming puede ocultar. El oyente también quiere pertenecer, compartir códigos, encontrarse con otras personas y convertir la música en una parte visible de su identidad. El directo, el merchandising, los formatos físicos y el contenido propio ayudan a transformar una audiencia dispersa en una comunidad reconocible.

El papel del marketing musical

El marketing musical más interesante trabaja esa profundidad. Primero entiende qué hace singular al artista. Después identifica a las personas con mayor probabilidad de conectar con esa propuesta. A continuación elige los canales, los formatos y los momentos adecuados para facilitar el descubrimiento. Finalmente crea razones para quedarse.

Las plataformas tienen un papel fundamental en ese recorrido, aunque representan una parte del ecosistema. La web del artista, una base de datos propia, el correo electrónico, los conciertos, los medios especializados, las colaboraciones, las comunidades y los objetos físicos permiten construir una relación menos dependiente de un único algoritmo.

También existe una oportunidad enorme para las bandas con una identidad fuerte. Cuando una parte del mainstream converge en sonidos, estructuras y campañas similares, la diferencia adquiere valor. Una voz reconocible, una propuesta visual coherente, una historia real y una relación cuidada con el público ayudan a ocupar un lugar mental claro.

El marketing aporta más cuando amplifica una identidad que ya existe. Puede encontrar nichos, interpretar datos, ordenar lanzamientos, mejorar la presencia digital, coordinar publicidad, posicionar contenidos y convertir un concierto o un disco en una experiencia más amplia. La estrategia ofrece dirección y continuidad mientras la música conserva aquello que hace reconocible al artista. Esta forma de trabajar conecta con mi visión como consultor SEO y de marketing digital, donde cada canal cumple una función dentro de una estrategia común.

Por eso mi respuesta a la pregunta inicial necesita algo más que un sí o un no. La música anterior se escuchaba dentro de un sistema que favorecía la permanencia, la repetición y el apego a determinados discos. La música actual circula dentro de otro sistema que favorece la disponibilidad, el descubrimiento, la velocidad y la medición.

Ambos contextos han producido grandes obras. También han generado fórmulas, excesos y productos diseñados para aprovechar el canal dominante de cada época. La diferencia está en que hoy el canal conoce cada salto, cada repetición y cada segundo de atención, y esa información regresa al proceso creativo casi en tiempo real.

Avalancha fue conmigo durante meses porque coincidieron el disco adecuado, una etapa concreta de mi vida, un soporte que exigía elección y cientos de escuchas. Treinta años después sigo asociándolo a aquel instituto, aquella mochila y aquel reproductor portátil. Esa huella difícilmente puede medirse en una reproducción.

Quizá ahí esté la lección más útil para la música y para el marketing. Llegar resulta imprescindible. Permanecer exige identidad, tiempo y una experiencia capaz de integrarse en la vida de alguien.

Mi opinión sobre la música y el marketing actual

Disfruto de la facilidad con la que hoy puedo encontrar grupos, recuperar discos y moverme entre géneros. El acceso actual representa una conquista enorme para cualquier aficionado. También me interesa observar cómo ese acceso modifica nuestros hábitos y cómo las métricas condicionan las decisiones de una industria creativa.

El procesamiento vocal, los algoritmos y el vídeo breve forman parte del lenguaje de esta época. Pueden producir canciones memorables y campañas brillantes. Su mejor versión aparece cuando se utilizan para desarrollar una propuesta propia, acercarla al público adecuado y sostener una relación que continúe después del primer impacto.

La música necesita marketing para encontrar a su público en un escenario lleno de opciones. El marketing necesita comprender que una canción, una banda o un disco poseen una dimensión emocional que crece con el tiempo. La velocidad puede abrir la puerta. La identidad consigue que alguien quiera quedarse.

Puedes consultar también mi perfil profesional en Google Maps o escribirme desde mi página de contacto para hablar sobre marketing, posicionamiento y estrategia digital.